Choses à faire à Miami: « Transcendance naturelle » à Oolite Arts

S’il semble que c’est trop beau pour être vrai, c’est généralement le cas.

Lorsque des reportages sur Internet ont fait état de dauphins rentrant dans les canaux vénitiens, en raison de l’inactivité humaine pendant la quarantaine, l’histoire a fait sourire partout les visages.

« Je pensais que c’était l’une des histoires les plus édifiantes de la pandémie, tout le reste étant tellement apocalyptique », a déclaré la photographe Anastasia Samoylova.

Mais, bien sûr, ce n’était pas vrai. de Samoylova Dauphins à Venise, un collage photo vibrant avec une palette de couleurs saisissante, capture avec audace l’excentricité de l’événement.

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«C’est exagérément théâtral. C’est comme un kaléidoscope, et il y a certainement un élément d’humour », dit Samoylova. « C’est aussi une métaphore visuelle. Cherchez toujours la vérité et creusez plus profondément. Regardez toujours au-delà de la façade d’une image.

« L’art n’est pas qu’esthétique, poursuit-elle. « Il s’agit de la pensée. Rien n’est juste en noir et blanc.

La pièce de Samoylova est l’une des nombreuses présentées dans l’exposition basée sur l’objectif, « Natural Transcendence », présentée par Oolite Arts à Miami Beach jusqu’au 7 novembre. L’exposition a été prolongée au-delà de sa date de fin initiale du 22 août.

« ‘Natural Transcendence’ est notre première exposition en plus d’un an ouverte au public », a déclaré Dennis Scholl, président et chef de la direction d’Oolite Arts. « Étant donné le lien poignant avec nos expériences pendant la pandémie, nous espérons que la communauté pourra embrasser et s’inspirer de ces sept artistes qui, grâce à leur vision unique, nous permettent de nous connecter à nos sensibilités plus profondes avec la nature. »

La cinéaste et vidéaste Rhonda Mitrani, qui a organisé l’exposition, dit qu’elle s’est concentrée sur la recherche d’artistes dont le travail est fortement basé sur l’environnement.

«Pour moi, il est important de soulever des problèmes de conscience sociale», dit-elle. « Je savais qu’ils travaillaient tous dans la nature. Chaque artiste a apporté sa propre personnalité.

Plusieurs personnes me sont immédiatement venues à l’esprit, comme l’artiste et éducatrice Wendy Wischer. Sa Là où l’eau et la roche se rencontrent stimule les sens tout en offrant une expérience méditative et immersive.

« J’ai essayé de lui donner l’impression que vous êtes sur l’eau », dit Wischer. « La plupart des images provenaient du Grand Canyon. La pièce parle de n’importe quel fleuve, mais en même temps, c’est le fleuve Colorado. Je l’ai rendu suffisamment ambigu pour que les gens puissent s’y insérer.

La symbolique de la pièce est claire.

« La métaphore globale est le désir de continuer à couler, comme le font toutes les rivières », explique Wischer. « Les rochers qui deviennent des obstacles dans notre vie, comme les rochers qui deviennent des obstacles dans les rivières, peuvent être passionnants et beaux, mais ils peuvent aussi être dévastateurs. La pièce parle de résilience et de continuer à aller de l’avant.

Megan McLarney Cascade bleue est une autre pièce à base d’eau. Mitrani a approché McLarney en raison de sa capacité étrange à se concentrer sur ce que les autres peuvent négliger.

« [She] prend un moment ordinaire dans la nature et le rend extraordinaire », explique Mitrani.

L’écran vidéo vertical à cinq panneaux présente une cascade en cascade continue. La pièce, qui a été capturée près d’un centre de méditation, est volontairement dépourvue de son.

« Les sons peuvent être très agressifs. Les sons blancs sont moins [so], mais je veux que vous ayez votre propre son », dit McLarney. « L’art est un peu comme une thérapie. Vous enlevez ce dont vous avez besoin et explorez ce que vous devez explorer. Mais ce que j’espère, c’est qu’il y a un moment de paix et de solitude que vous recherchez dans la nature.

McLarney considère également la pièce comme une célébration des minuties dans le perfectionnement de son art : « Voici cette eau qui bouge et, à mesure qu’elle bouge, elle crée ces rainures. Il coupe dans la roche et vous voyez le mouvement au fil du temps, mais il se déplace également. J’ai l’impression que c’est un peu comme le processus de tournage que je fais. [I shoot] Encore et encore et encore. »

L’exploration du mouvement et de la mobilité sont également des thèmes importants dans l’œuvre de Jennifer Steinkamp. Derviche 2. La projection vidéo captivante, qui s’inspire fortement de la danse islamique tourbillonnante, est ce qui a inspiré Mitrani à présenter son travail.

« Le mouvement physique des arbres fait écho au mouvement humain », explique Mitrani. « Vous ne pouvez pas danser sans utiliser votre âme. »

Steinkamp dit Derviche 2 évolué à partir de Accrocheur, un morceau qu’elle a fait en 2003 qui a exploré les têtes de Méduse dans la Citerne d’Erebatan.

« J’ai fait des recherches sur Méduse et j’ai décidé de créer pour elle cette zone enchantée avec des arbres qui bougent comme les serpents dans ses cheveux », dit-elle. « Si un homme la regarde dans les yeux, il se transforme en pierre. Vous pouvez interpréter cela avec une insinuation sexuelle si vous le souhaitez. Je pense que c’est plus drôle comme ça.

Après avoir vu un spectacle de derviche, elle a eu l’idée de faire des arbres qui tournoyaient comme les danseurs.

« Cette pièce, en un temps record, traverse toutes les saisons en une année », explique Steinkamp. « Je suppose qu’il ne meurt jamais. Bien que l’hiver soit une sorte de mort, il y a une nouvelle fois une renaissance. »

Après une renaissance, il y a souvent de la résilience. Et qui de mieux que les enfants pour nous enseigner l’adversité ?

Elsa dans l’herbe aux pissenlits nous montre l’importance de prendre le temps de se détendre, de se détendre et de se déchausser même si (et surtout quand) nous sommes confrontés à des défis.

« [This piece] parle indirectement de l’expérience des enfants pendant la pandémie », explique Colleen Plumb, dont les filles ont souvent fait l’objet de sa photographie.

Les enfants sont souvent des observateurs attentifs dans des environnements que les adultes peuvent tenir pour acquis.

« Je pense que tout le spectacle consiste en grande partie à prêter attention », a déclaré Plumb. « Il aborde l’équilibre exquis de la vie sur terre. Lorsque je suis près d’arbres, d’eau ou d’animaux, j’ai une chance de me souvenir de leur interdépendance, surtout maintenant, après que nous ayons tous été obligés de ralentir.

Plumb a capturé la pièce lors d’une sortie avec sa fille. « Je ne lui ai pas demandé d’être dans cette position », note-t-elle. « Mais je pense que c’est symbolique de ce dont nous avons tous besoin, de simplement nous allonger dans l’herbe. Peut-être que nous ne le faisons pas assez en tant qu’adultes.

Pour Antonia Wright, créer Touch a une mémoire, un photogramme cyanotypé, était une façon de garder les pieds sur terre.

« Quand la quarantaine a commencé, tout était tellement séparé et éloigné les uns des autres, donc faire ces impressions, où je suis en fait allongé sur la page, était un moyen d’avoir une connexion pendant une période si dépourvue de contact », Wright dit.

Le processus comporte plusieurs étapes : « Je sors au soleil, très rapidement, et je pose le papier. Je place des plantes sur la page, puis je pose mon corps sur les plantes. Ensuite, je reste là pendant huit minutes et c’est l’exposition. Donc, normalement des photographies, beaucoup d’entre elles, vous pouvez les faire dans la chambre noire. Mais celui-ci utilise le soleil comme source lumineuse, et puis c’est une photographie mais c’est une photographie non négative… »

Mitrani considère les vinyles à grande échelle comme «un ajout unique et merveilleux au spectacle. Elle est littéralement en train de s’ancrer physiquement dans la nature.

Adler Guerrier utilise également les plantes comme véhicule pour transmettre ses pensées.

Dans Sans titre (Le croton s’illumine et s’enrichit ; nous y serons.), il offre une perspective contemplative et unique du point de vue de son propre espace personnel.

« C’est une image qui illustre un moment où j’ai trouvé dans le coin de ma cour comment un croton et une feuille de palmier à un moment particulier et à un moment particulier de la journée, captent la lumière et rebondissent », a-t-il déclaré. dit. «Cela devient un objet central qui façonne et domine mon espace physique, et je passe du temps à côté de ça, ça fait ce que le titre suggère, ça illumine ma journée. Et cela continue d’ajouter à la dignité dans ma vie.

Il note comment nous intégrons souvent l’environnement dans notre vie quotidienne.

« Même si nous ne vivons pas toujours dans la nature, la nature vit dans nos maisons », dit-il. « Nous reproduisons la nature et les décors naturels, parfois aussi grands qu’un jardin, ou aussi petits qu’une plante en pot sur les fenêtres. Mais ce désir de reproduire le monde naturel, nous le faisons parce que nous essayons de nous connecter. »

Mitrani est d’accord.

«La façon dont la nature et les humains se connectent dépasse l’analyse scientifique», dit-elle. « Nous recalibrons notre relation avec la nature.

– Sergy Odiduro, ArtburstMiami.com

« Transcendance naturelle. » À voir jusqu’au 7 novembre à Oolite Arts, 928 Lincoln Rd., Miami Beach; 305-674-8278; oolitearts.org. L’entrée est gratuite.