Une paire d’expositions rénove le portrait et la perfection à Vielmetter Los Angeles

De l’influencé couture au conceptuel, minimal et viscéral, l’exposition de groupe centrée sur le portrait, C’est l’heure, présente six artistes proposant des mises à jour urgentes de la définition de la beauté de notre culture. Juste à côté, l’exposition solo du peintre Forrest Kirk déchirant le paysage, La chouette de Minerve vole au crépuscule, bouleverse la quiétude pastorale avec une matérialité perturbatrice et une attitude méfiante envers la perfection. Chacun de ces artistes, à sa manière, vise les restrictions constamment imprudentes imposées par les paradigmes culturels conventionnels – et ils offrent des alternatives convaincantes.

C’est l’heure rassemble des œuvres de Kwesi Botchway, Geneviève Gaignard, Rodney McMillian, Wangechi Mutu et Paul Mpagi Sepuya — une cohorte interdisciplinaire dont le travail est contextualisé par un discours intergénérationnel engagé avec des photographies du légendaire Kwame Brathwaite. C’est du portrait, oui, mais c’est aussi bien autre chose. L’idiome du portrait ici est moins utilisé pour représenter explicitement des ressemblances individuelles – bien qu’il le fasse occasionnellement, et toujours avec dévotion et humanité empathique – et plus comme un prisme à travers lequel examiner et mettre en œuvre l’expansion de ce que l’on entend par beauté dans un capitalisme. , milieu culturel eurocentrique, caucasien et dominé par les hommes.

Le titre est tiré de la déclaration musicale fondamentale de Max Roach faite à l’époque des droits civiques. Les photographies luxueuses et rayonnantes de Brathwaite canalisent les tropes historiques de l’art du royal, riche et magnifique – plaçant les femmes de couleur dans le firmament, là où elles appartiennent, et avec des accessoires de style qui reflètent une fusion de l’héritage avec la mode. « Le noir est beau », proclame Brathwaite au cours des décennies de sa carrière explosive dans le genre – un message qui porte toujours un message d’affirmation et de changement significatif, et continue d’être amplifié par les nouvelles générations d’artistes qui ont entendu l’appel.

Les nouvelles œuvres de Geneviève Gaignard existent en conversation directe avec Brathwaite, partageant avec tous ces artistes une compréhension qu’une représentation d’un corps noir est à la fois un portrait et une critique implicite de cette représentation, mais exécutant cette conscience à travers la perspective de la nostalgie, un fantasque façon avec des matériaux vintage trouvés, et un sens inné du glamour et de la maîtrise de soi. L’œuvre de 2006 de Rodney McMillian Untitled (Inconnu) sérialise des photographies uniques d’un buste en plâtre d’un homme inconnu. De cette façon, c’est un portrait de rien et de tout – identité, histoire, vérité, fétiche, métaphore et valeur marchande. Son pod : fréquences à une manifestation de 2016 organise de manière évocatrice une collection de vases en verre noir sur de basses étagères en bois d’une manière qui fait référence de manière abstraite aux vitrines muséologiques, aux autels cérémoniels, aux vitrines de magasins, au récipient comme métaphore du corps et au regard des témoins silencieux.

Les collages de Wangechi Mutu sont des études de personnages quasi abstraites fantastiques et matériellement omnivores qui embrassent le processus littéral et figuratif de démontage et de réassemblage pour créer une sorte d’alchimie transcendante qui produit des portraits de nouveaux êtres et des feuilles de route spirituelles vers de nouvelles façons d’être. Paul Mpagi Sepuya est connu pour ses photographies scéniques en studio qui remettent en question la hiérarchie des tableaux mis en scène et leurs lectures littéraires à travers l’histoire de l’art, remplaçant les modèles idéalisés par ses propres amis bien-aimés pour placer explicitement le corps noir queer au centre du paradigme. Kwesi Botchway, lui aussi, met en scène un remix postcolonial de l’histoire de l’art occidental, défiant le parangon de la délicatesse dans des portraits aux couleurs vives et audacieusement construits qui appartiennent à la fois à nulle part et à partout.

Chez Forrest Kirk La chouette de Minerve vole au crépuscule, dans l’espace d’exposition attenant, s’inspire également d’un texte important du passé – les écrits moins jazzy mais non moins perspicaces du philosophe allemand GWF Hegel, qui raconte à un moment donné une parabole dans laquelle Minerve, la déesse de la sagesse dont le familier est célèbre hibou majestueux, engage l’idée que la perfection n’est possible qu’avec le recul et la valeur des erreurs comme opportunités d’apprendre. Cette idée qu’un monde entier peut être construit à partir des faux pas qui donnent à la réalité ses dimensions uniques est incarnée dans ses excès somptueux de pigments topographiques accumulés, grattés, enfouis – tous maintenus ensemble par des flux gelés de Gorilla Glue utilisés à la fois comme liant d’assemblage et un ambre métaphorique dans lequel chaque détail de notre passé est préservé.

Le tumulte organique des arbres et de l’architecture en décomposition, et la palette dystopique de ciels de science-fiction orange et de créatures sauvages à plumes et menaçantes, et le sentiment omniprésent de rêve de fièvre transforment ce qui aurait pu être un royaume magique en le chaos d’une psyché active – ou peut-être, nous assistons non pas à l’entropie, mais à la métamorphose dans laquelle le nouveau monde émerge du terreau de ses erreurs passées.

Forrest Kirk et l’art John Sonsini organisent une conversation et une présentation de leurs expositions personnelles, le samedi 18 février à 14h.

Le conservateur Larry Ossei-Mensah anime une conversation avec Kwame S. Brathwaite, fils du photographe Kwame Brathwaite et directeur de The Kwame Brathwaite Archive, avec les artistes Kwesi Botchway, Genevieve Gaignard et Paul Mpagi Sepuyale samedi 18 février, 16h.

Les deux expositions sont présentées au 1700 S. Santa Fe, au centre-ville; jusqu’au 25 février (groupe) et 11 mars (Kirk); gratuit; vielmetter.com.

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