Les toiles réalistes de Sayre Gomez mettent le paysage urbain de Los Angeles en valeur

«J’ai ressenti le besoin d’être plus présent, pas nécessairement plus politique, mais plus ancré dans la réalité», explique Sayre Gomez, assis dans son studio de 3 000 pieds carrés bordant East LA – anciennement un atelier de couture où l’équipement Ed Hardy a été ébloui – un matin de janvier. Vêtue d’une polaire zippée bleu marine, d’un pantalon de jogging noir et de baskets Nike volumineuses, l’artiste basée à Chicago, basée à Los Angeles, court beaucoup de café et très peu de sommeil. La nuit précédente, Gomez et son épouse, Emmy Eves, ont accueilli leur fils aîné, Desmond, dans leur maison du village d’Atwater.

«D’une part, je suis totalement ravi», explique Gomez. « Et puis, de l’autre, je me demande: » Dans quel genre de monde est-ce que j’amène mon enfant? «  »

La réponse, semble-t-il, se trouve dans les peintures suspendues dans divers états de progression autour de l’atelier. Depuis l’élection de Donald Trump, Gomez, 37 ans, est en train de traduire le surréalisme saturé d’images de notre brave nouveau monde en ce qu’il appelle généralement X-Scapes. Ces tableaux semi-romancés et photo-réalistes capturent les espaces liminaux que vous ne voyez que dans une brume en conduisant – le mode de voyage de rigueur de L.A. – à travers l’étrange vallée qu’est cette métropole du 21e siècle.

Du point de vue de l’automobiliste, il y a un aplatissement de l’architecture, des infrastructures, qui imite la façon dont Internet aplatit la culture en un seul algorithme. Dans une voiture, tout à L.A. semble flou, fusionner: panneaux d’affichage FYC à Hollywood; kiosques maximalistes du centre commercial de Koreatown; des bataillons en plein essor de grues de construction s’élevant au-dessus du centre-ville; et les flancs sans fin des campements de sans-abri fournissant un tissu conjonctif dévastateur entre tout cela.

Sayre Gomez, Open, 2019, acrylique sur toile. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et François Ghebaly, Los Angeles (photo de Robert Wedemeyer)

Gomez X-Scapes obliger les téléspectateurs à s’asseoir, à réfléchir à toutes les facettes des espaces incommodes (ou peu attrayants) que nous laissons dans notre rétroviseur. Chacun d’eux dépeint une vision hyper articulée, si hybridée, de la ville vue dans une mise au point douce (et nette) à travers la lentille des portes des dépanneurs collées par des autocollants, des clôtures en mailles de chaîne rouillées, des parkings marqués de graffitis et des toits cinématographiques vues. Au mieux, ces images oscillent quelque part entre les géométries suprématistes de la publicité intelligente, le street art, l’organisation formelle des premiers paysages urbains d’Ed Ruscha, les vues sans relâche de l’étoile de la génération de photos Jack Goldstein, et le réalisme émotionnel des peintures aux bougies de Gerhard Richter.

« Une grande partie de mon travail le plus récent suppose le point de vue de quelqu’un qui n’a pas grandi ici », explique Gomez, qui conserve toujours un maillot Bears et des souvenirs Cubs sur les étagères de sa bibliothèque de studio. «Je regarde définitivement la Californie ou L.A. à travers une certaine lentille d’exotisme. C’est super différent de l’endroit où j’ai grandi, donc la promesse de L.A. est super importante. C’est un endroit tellement bizarre parce qu’il est faux et vraiment réel en même temps, donc vous pouvez le voir pour ce qu’il est – l’appareil de Los Angeles – plus facile que quelqu’un qui a grandi en y étant intégré. « 

Sayre Gomez, Orale Raza, 2019, acrylique sur toile, 96 x 144 pouces. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et François Ghebaly, Los Angeles (photo de Robert Wedemeyer)

En dépit de son point de vue extérieur, la représentation obsédante de Gomez de L.A. contemporaine – à partir d’une toile de taille murale représentant l’emblématique Orale Razune peinture murale dans les projets de logements de la Cour Estrada à proximité, une peinture à main levée d’un camp de sans-abri vu dans le flou d’une voiture, l’ont placé au centre du discours sur l’art contemporain. Au cours de la dernière année seulement, Gomez a organisé une exposition solo acclamée (sa troisième) à la galerie François Ghebaly de Los Angeles; obtenu une place de choix au rez-de-chaussée Le cadeau extrême, l’exposition de groupe Jeffrey Deitch / Gagosian qui a ouvert ses portes en décembre dernier pendant Art Basel Miami Beach; et des stands solo ancrés à la foire d’art Frieze New York 2019 et à la récente édition de L.A., où il a été sélectionné pour installer sa première sculpture majeure – une tour de téléphone portable imitant un palmier (une extrapolation à haute densité en acier au carbone de son Palm Tower peinture montrée à Ghebaly l’automne dernier) – à l’ombre du célèbre château d’eau sur le backlot Paramount dans le cadre de la section organisée Frieze Projects.

Il travaillait fiévreusement sur sa troisième exposition personnelle avec la galerie allemande Nagel Draxler, qui devait ouvrir le 21 avril en tant que pop-up à la société de vente aux enchères belge Kunsthaus Lempertz, mais elle a été annulée en raison du coronavirus. Son dystopique X-scapes sont devenus étrangement prophétiques depuis Frieze, alors que lui et Emmy se promenaient tranquillement dans le backlot de Paramount avec Desmond (et des milliers d’autres fidèles). Le monde – et en particulier le monde de l’art – comme nous le savions tous, il semble rétrospectivement être un souvenir étrange, piégé dans l’un des tableaux obsédants de Gomez.

Sayre Gomez, Tower, 2019, acrylique sur toile, 120 x 84
pouces. Courtoisie
de l’artiste et François
Ghebaly, Los Angeles (photo de Robert Wedemeyer)

«Je pense que Sayre réalise aujourd’hui certaines des peintures américaines les plus importantes», explique François Ghebaly, qui travaille avec Gomez depuis sept ans et a consacré l’intégralité de son stand Frieze à un seul X-Scape. Titré La fête continue 2020, il a été installé à l’arrière du stand, comme en quarantaine, derrière trois sculptures en trompe-l’œil en carton et en résine moulée reproduisant des montants de parking avec des chaînes verrouillables. La peinture dépeint une cinématique – ou ce que LACMA et la commissaire de Frieze Projects Rita Gonzalez appelle «nucléaire» – un coucher de soleil suspendu au-dessus d’un panneau Party Plaza illuminé et de deux camionnettes, dont l’une fait la publicité d’un service d’escorte en ligne. «Ils sont la continuation d’une histoire très à Los Angeles, mais ils sont également en phase avec un dialogue beaucoup plus large sur l’histoire de l’art à tous les niveaux. Ils sont le reflet de notre culture contemporaine. « 

Grandir dans la banlieue ouest de Chicago – prendre le métro de Lombard, Illinois, pour faire de la planche à roulettes dans la ville et assister à des spectacles punk – Sayre Gomez, avec son accent nord-américain intérieur saumâtre, pourrait sembler le gamin le moins susceptible de devenir l’un des prochains transformateurs de paysages transformés d’Angeleno. La notion devient encore plus improbable lorsque vous considérez qu’à l’adolescence – après près d’une douzaine d’arrestations pour avoir écrit des graffitis autour de la Windy City – Gomez a déménagé avec sa mère à Fayetteville, Arkansas, où réside Tyson Foods, où elle a pris un -house CPA.

Pendant les étés au lycée, cependant, Gomez irait rester avec son père, un entrepreneur en série qui a essayé de construire un aéroport après la chute du rideau de fer à Novossibirsk, l’ancien épicentre de la recherche scientifique russe jadis connu sous le nom de «Chicago de la Sibérie. « 

«Il a idolâtré Gordon Gekko», explique Gomez. «Il s’est identifié à ce personnage et il le fait toujours – féroce, faire ce qui doit être fait, sans émotion. Ma maman est assez similaire. « 

À la demande de sa mère, qui voulait probablement garder son fils hors de problème, Gomez a suivi des cours d’été à la School of the Art Institute de Chicago, où il a obtenu une bourse partielle et a ensuite étudié le graphisme et la peinture comme étudiant de premier cycle. . «Mes parents sont pratiques», se souvient Gomez. « Ma mère m’a envoyée à ces cours d’art d’été, mais elle me dit: » Tu devrais apprendre les techniques informatiques. « Pour être honnête, je suis vraiment contente qu’elle l’ait fait, parce que ça fait tellement partie de mon travail maintenant. »

Gomez aime dire qu’il utilise la «composition de manière formelle» avec le X-Scapes. Chaque élément est soigneusement tracé dans Photoshop, avec chaque élément dur (bornes d’incendie, enseignes en beignet, poteaux de téléphone) bloqué avec des centaines de pochoirs en vinyle personnalisés, puis aérographiés sur des toiles fortement poncées et gessées. (Le processus, dit-il, «sorta devient Paint by Numbers».) Mais ce n’est pas du tout ainsi qu’il a commencé. Les peintures de Gomez à l’Art Institute ont oscillé entre des images effrontées de l’œuvre de Barry McGee de style graffiti et des peintures photoréalistes de, disons, des couples ayant des rapports sexuels ou une Lamborghini totale. Il exposait également régulièrement dans les galeries de Chicago pendant et après ses jours de premier cycle, à une époque où il peignait des panneaux publicitaires et concevait des t-shirts pour Stussy et X-Large.

«Il travaillait tout le temps et il avait déjà des spectacles, le tuant quand il était jeune», explique John Patrick Walsh III, alias JPW3, qui a étudié la sculpture à l’Art Institute lorsque Gomez était dans le département de peinture et est maintenant représenté par LA’s Night Gallery. «Je pense qu’il a toujours été sur ce chemin. La précision de ces dessins au crayon qu’il offrait en cadeau serait toujours parfaite. Je sais qu’il veut que ses tableaux soient davantage vus d’une manière conceptuelle et picturale, mais maintenant l’artisanat et l’idée ont vraiment pris de l’ampleur. »

Ce n’était pas le cas lorsque Gomez a décidé d’étudier pour son MFA à CalArts, suivant la trajectoire vers l’ouest de ses collègues anciens de SAIC comme Sterling Ruby et Amanda Ross-Ho. «Je me sentais confiant dans mon adhésion à ce genre d’art de sous-culture, cet art du graffiti-street-skateboarder», explique Gomez. «Cela m’a donné un sentiment de confiance en moi envahi. Personne ne s’en soucie vraiment, personne n’est aussi critique dans cette scène en général. Même si j’avais entendu des rumeurs à ce sujet, je ne m’attendais pas à cette rigueur académique hardcore quand je suis arrivé à CalArts. Les gens entraient dans leurs critiques avec les bras tirés. Je m’en fichais et je n’aimais pas vraiment ça, mais j’aimais beaucoup Michael Asher. « 

Asher, le défunt grand professeur post-conceptuel de CalArts, n’était pas fan du travail de Gomez, mais leurs discussions l’ont amené à penser à la circulation des images à l’ère post-internet. «J’ai toujours été un peu intéressé par cet effondrement entre image et abstraction, et comment l’image peut très facilement se transformer en abstraction et vice versa», explique Gomez, qui continuerait à faire des abstractions basées sur le processus éthéré sur des échantillons de Pantone ou agrémentées de disques durs. bordures et fenêtres comme dispositifs d’encadrement conceptuels. Il a réalisé sa première percée peu de temps après CalArts en s’appropriant une illustration de quelques mains gantées qu’un ami a postée sur le mur Facebook de l’artiste. Il allait ensuite les utiliser comme une icône, qu’il a surnommée Le voleur, dans des dizaines de variations au cours des années suivantes.

« Parfois, il y avait une grosse barre noire en bas, une barre blanche, une bordure nette, un carré noir au milieu », explique Gomez. «L’image devient le médium d’une certaine manière – elle devient une couleur, une peinture, un matériau avec lequel vous pouvez travailler. Je l’ai appelé Le voleur parce qu’il a les gants blancs, c’est très thématique, mais c’est approprié, donc il y a un peu de double sens. Si vous pensez à l’histoire de la peinture et au rôle de la fenêtre, c’est ce pictorialisme organisé avec lequel je jouais déjà. « 

Le voleur les peintures ont mené à une série de gestes réussis dans l’abstraction, mais après un spectacle de l’automne 2016 avec Rodolphe Janssen, la marque auprès des critiques et des collectionneurs a raté la cible, Gomez a réalisé qu’il devait retourner à la planche à dessin. Bien qu’il occupe le même studio depuis 12 ans – et il connaissait les peintures murales d’Estrada Courts depuis ses débuts à Chicago parce que sa tante, l’artiste chicano Nina Balodis, lui avait donné un livre qui les présentait quand il était enfant – Gomez n’a jamais pensé qu’il pouvait justifier conceptuellement (ou personnellement) de les utiliser dans une peinture en tant qu’artiste conceptuel né à Chicago. Cependant, les turbulences politiques qui ont suivi les élections de 2016 l’ont forcé à prendre en compte sa propre identité et son environnement plus immédiatement.

Sayre Gomez, The Party Continue 2020, 2020, acrylique sur toile,
108 x 144 pouces. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et François Ghebaly,
Los Angeles (photo de Robert Wedemeyer)

«J’ai passé beaucoup de temps à essayer d’être aimé par cette foule institutionnelle, universitaire et post-conceptuelle, et maintenant je ne suis pas tellement intéressé par cette façon de penser», explique Gomez. «J’aime mieux mon travail maintenant. Je ne me sens pas aussi gêné. Pour être artiste, il suffit de se sentir à l’aise avec ce que vous faites et d’essayer de trouver quelque chose de significatif. C’était tout autour de moi tout le temps, et je ne l’ai simplement pas réalisé. Les images avec d’autres images dessus, c’est déjà là. Ces fenêtres dans des fenêtres dans des fenêtres qui sont déjà là. « 

Gomez s’est aventuré dans ce nouveau territoire en peignant des portes de centre commercial car elles étaient déjà pré-collées avec des autocollants et pré-formatées avec deux petits panneaux et deux grandes portes au milieu. Il les a installés au ras du sol, et ils ont proposé une formule pour poursuivre les variations sur un thème, comme il l’avait fait avec Le voleur peintures. Cela a conduit à des peintures de panneaux lumineux pour un club de strip-tease et des marques horlogères, des panneaux en trompe-l’œil collés par des autocollants et des paysages urbains plus classiques. Inévitablement, il a dû affronter le nouveau paysage de L.A. des villes de tentes qui sont – intentionnellement ou non – confrontées aux problèmes de gentrification, de ségrégation et de sans-abrisme de manière très percutante.

« Ce n’est pas vraiment une idéalisation mais cette fusion de ces souvenirs de la ville, cette expérience latérale de la ville », explique Rita Gonzalez. « Il est très sélectif et très précis dans la construction de ces paysages, donc ils sont un assemblage de photographiés, de mémorisés, de méconnus. Et parfois, il y a aussi une dimension cinématographique qui imprègne la composition. « 

Dit autrement, ce sont des gestes tout à fait américains. Rendu avec les méthodes de production d’Hollywood, ces moments dans le temps aux multiples facettes sont capturés à un moment de notre histoire collective lorsque la nation est divisée, lorsque divers segments de la population sont laissés pour compte. A travers ses toiles, Sayre Gomez nous oblige à ne pas détourner le regard. Quoi de plus urgent américain que ça?

Sayre Gomez, sayregomez.com; François Ghebably, ghebaly.com.

Cette pièce a été commandée pour la prochaine édition de Design LA.